Identidad corporativa: Imagen y caracteristicas

Como habia hablado anteriormente de las diviciones del diseño, la identidad, tambien es una de ellas...

Esta hace referencia a los aspectos visuales de la identidad de una organización. 

La identidad visual se considera como la traducción simbólica de la identidad corporativa de una organización, que se concreta con un programa que marca normas de uso para aplicarla correctamente.

-       La imagen corporativa es un sistema de identidad visual que busca dirigir la percepción que se tiene de una empresa, compuesto de elementos fijos y variables, (paleta de colores, tipo de letras o imágenes,miscelaneas, por ej.) que tienen como finalidad lograr el posicionamiento de una marca o empresa dentro del mercado y frente a la competencia. Este sistema de imagen institucional debe ser lo suficientemente abierto, como para poder ser aplicado a la gran diversidad de piezas de comunicación y soportes. Es similar a los rasgos de una familia, donde se pueden observar ciertos rasgos en común, que los hacen pertenecer a la misma, (primos, tíos, hermanos, abuelos) pero donde cada uno de los elementos conserva sus particularidades dentro de una identidad familiar.

Características de la identidad corporativa

• El nombre: es una desición fundamental en la identidad de la empresa, debe ser original, pregnante (fácil de recordar), pertinente al rubro, y reflejar la esencia de la empresa.
• El logotipo: es la firma, el sello o marca, que identifica a la empresa, debe transmitir el concepto de la misma en forma gráfica y resumida, y debe cumplir con muchos requisitos como ser legible y entendible, ser coherente con el rubro de la empresa, funcionar para tamaños muy chicos y muy grandes, con diferentes colores de fondo y distintos soportes.
• Slogan: si bien hay empresas que no lo utilizan, es la "frase de cabecera" de la empresa, la que sirve para conceptualizar mejor la filosofía de la empresa, y muchas veces tambien como frase principal para el comercial radial o televisivo. Deben ser descriptivas y comerciales y algunas son muy recordadas, a veces incluso mas que el nombre del producto: "caro pero el mejor" de Grundig, "poderoso el chiquitin" de Koh-i-noor y asi muchos mas.
• Paleta de colores: la paleta cromática es una de las herramientas mas características de la identidad corporativa, ya que esta decisión es una de las que resulta mas fácil de identificar y recordar, como el caso del color violeta de Milka, el blanco de Apple, el azul y amarillo de Boca, por dar algunos ejemplos conocidos.
• Tipografía: la elección de una familia tipográfica (tipo de letras) es un elemento muy importante en la comunicación gráfica de la imagen corporativa, ya que permite mantener una coherencia en el discurso de las piezas (como si fuera un locutor con la misma voz para la publicidad radial). Es importante la elección de una tipografía que tenga muchas variables para que permita adaptarse a todas las necesidades. (títulos, textos, cuerpos pequeños y grandes, que tenga legibilidad y sirva para web, etc). 
• Imágenes: el tratamiento y tipo de imágenes también es un punto fundamental en cualquier manual de identidad corporativa, ya que debe mantener relación con la totalidad del sistema visual, y en su interacción con la paleta de colores, el logo, y los textos. 
• Miscelaneas: representan todos los recursos decorativos y complementarios de la gráfica, que ayudan a darle identidad y características propias al sistema.

Imagen digital: Tipo,mapa y formato...

Para publicidad...http://www.noticom.es/textos/formatos.html

Imagen Digital Vectorial

Las imágenes vectoriales son gráficos formados a base de curvas, líneas y elementos geométricos definidos como vectores. La gran ventaja de las imágenes vectoriales es que no sufren pérdida de resolución al producirse una ampliación de los mismos.

Imagen vectorial ampliada

Tal y como se puede observar en la imagen ampliada en un 200% respecto al de su tamaño original, no ha sufrido ninguna pérdida, ni en calidad ni en resolución.

Otra particularidad de esta clase de archivos es que solo pueden visualizarse a través del programa que los creó, si no se transforman en mapa de bits.

Archivos de mapa de bits

Los archivos de las imágenes se guardan normalmente en forma de mapa de bits o mosaico de píxeles. Cada píxel guarda la información de color de la parte de imagen que ocupa.

Este tipo de imágenes son las que crean los escáneres y las cámaras digitales. Esta clase de archivos ocupan mucha más memoria que las imágenes vectoriales.

El principal inconveniente que presentan esta clase de archivos es el de la ampliación. Cuando un archivo se amplia mucho, se distorsiona la imagen, mostrándose el mosaico - los píxeles - y una degradación en los colores. Se produce el efecto pixelación debido a la deformación de la fotografía.

Imagen de mapa de bits ampliada

La imagen de mapa de bits, al ampliar excesivamente su tamaño, pierde nitidez y resolución.

Esencial saber esto ;D…

Formatos de archivos digitales

Los formatos de archivos digitales almacenan la información codificando toda la imagen cada píxel de forma individual, esto ocasiona que el archivo pese mucho (ocupa mucho espacio en MB en el ordenador) pero, a cambio, no pierda ninguna clase de información.

Las cámaras digitales suelen realizar una forma de compresión del archivo para reducir el tamaño del mismo, eliminan lo que carece de valor, pero una vez se visualiza de nuevo la imagen, el proceso de compresión se invierte.

Existen diferentes clases de archivos digitales, unos sufren pérdida de calidad y otros no.

Formatos sin pérdida de resolución ni calidad

Algunos (pocos) dispositivos digitales utilizan un formato que mantiene el archivo de la imagen en su estado virgen, en el cual no realizan ninguna clase de compresión y el archivo se mantiene en su máxima calidad, igual que en el momento que se captó la imagen. Podemos citar el formato RAW y el TIFF.

Otros formatos sin pérdida de calidad son BMP, EPS, PSD y PDF.

Formatos con pérdida de calidad

En la imagen y archivos digitales, existen formatos de archivo que desechan información innecesaria al almacenarlas sufriendo una pérdida de calidad, pero con la ventaja de que obtienen archivos informáticos con menor peso y espacio en las computadoras, haciéndolas más manejables.

Algunos de estos formatos con perdida de calidad son JPEG, GIF, PNG.


Fuente:
http://www.fotonostra.com/digital/imagenvectorial.htm

Diseño Digital Publicitario

 

Diseño Digital Publicitario

Como lo había mencionado anteriormente una de las tres divisiones del diseño  es  el publicitario.

 

Une el arte con la tecnología y te pone en contacto con las más modernas tecnologías del diseño creativo digital que se utiliza actualmente en los todos los medios de comunicación, agencias de publicidad, sitios web y todas las empresas donde el diseño multimedia es fundamental para comunicar mensajes. 

En él se estudia, edición no lineal avanzada, retoque fotográfico, animaciones flash, sitios web interactivos, bases de datos para mailings, videos comprimidos para web y celulares, imágenes en 3D, animaciones y gigantografías a un nivel de calidad nunca antes visto.

Tecnología y evolución

Las tecnologías y métodos utilizados antiguamente para transmitir la comunicación visual se han ido modificando sucesivamente. Esta actividad, que hoy conocemos como diseño gráfico, abarca muchos aspectos. Sus límites quedan difusos, hasta el punto de confundir el campo de actividades y competencias que debería serle propio, incluyendo, por supuesto, sus lejanas fuentes originales.

El desarrollo y evolución de los productos y servicios de las empresas y particulares ha crecido espectacularmente. Esto las obliga a competir entre sí para ocupar un sitio en el mercado.

Es en este instante cuando surge la publicidad y, con ella, la evolución del diseño gráfico como forma de comunicar, atraer y salir victoriosos en la batalla frente a los competidores.

La sección áurea

La regla o sección áurea es una proporción entre medidas. Se trata de la división armónica de una recta en media y extrema razón. Esto hace referencia a que el segmento menor es al segmento mayor, como este es a la totalidad de la recta. O cortar una línea en dos partes desiguales de manera que el segmento mayor sea a toda la línea, como el menor es al mayor.

De esta forma se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor, esto es un resultado similar a la media y extrema razón. Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea, se adopta como símbolo de la sección áurea (Æ), y la representación en números de esta relación de tamaños se llama número de oro = 1,618.

A lo largo de la historia de las artes visuales han surgido diferentes teorías sobre la composición. Platón decía: es imposible combinar bien dos cosas sin una tercera, hace falta una relación entre ellas que los ensamble, la mejor ligazón para esta relación es el todo. La suma de las partes como todo es la más perfecta relación de proporción.

Vitruvio, importante arquitecto romano, acepta el mismo principio pero dice que la simetría consiste en el acuerdo de medidas entre los diversos elementos de la obra y estos con el conjunto. Inventó una fórmula matemática, para la división del espacio dentro de un dibujo, conocida como la sección áurea, y se basaba en una proporción dada entre los lados mas largos y los más cortos de un rectángulo. Dicha simetría está regida por un modulo común, que es el número. Definido de otra forma, bisecando un cuadro y usando la diagonal de una de sus mitades como radio para ampliar las dimensiones del cuadrado hasta convertirlo en "rectángulo áureo". Se llega a la proporción a:b = c:a.

Dicho esto, y según Vitruvio, se analiza que al crear una composición, si colocamos los elementos principales del diseño en una de las líneas que dividen la sección áurea, se consigue el equilibrio entre estos elementos y el resto del diseño.

Técnicas de composición

La composicion se define como una distribución o disposición de todos los elementos que incluiremos en un diseño o composición, de una forma perfecta y equilibrada. En un diseño, lo primero que se debe elegir son todos los elementos que aparecerán en él, luego debemos distribuirlos para colocarlos con el espacio disponible. Los elementos pueden ser tanto imágenes, como espacios en blanco, etc. Es muy importante tener en cuenta de que forma situaremos estos elementos en nuestra composición, para que tengan un equilibrio formal y un peso igualado.

El peso de un elemento se determina no sólo por su tamaño, que es bastante importante, sino por la posición en que este ocupe respecto del resto de elementos. Por ejemplo, si queremos hacer destacar un elemento en concreto, lo colocaremos en el centro.

La composición, el concepto

En toda composición, los elementos que se sitúan en la parte derecha, poseen mayor peso visual, y nos transmiten una sensación de avance. En cambio los que se encuentran en la parte izquierda, nos proporcionan una sensación de ligereza.

Esto también se observa, si lo aplicamos en la parte superior de un documento, posee mayor ligereza visual, mientras que los elementos que coloquemos en la parte inferior, nos transmitirán mayor peso visual.

Actualmente no existe una composición perfecta. Cada composición dependerá de su resultado final, para todo ello, es necesario conocer todos los aspectos y formas para obtener un resultado con un cierto equilibrio.

Las proporciones, la forma, el tamaño.

Uno de los formatos más conocidos e utilizados es el DINA-4. Podemos limitar las proporciones de nuestra composición a través del color.

También existe las formas, las angulares y alargadas amplían el campo de visión, mientras que formas angulares cortas, nos transmiten la sensación de timidez y humildad.

Las formas redondas (modelo curvilíneo y rectangular), la proporción y la simetría, suelen combinarse, las formas en sus variantes también son simétricas. Estas formas crean armonía, suavidad y perfección. Por ejemplo las formas simples y regulares son las que se perciben y recuerdan con mayor facilidad. Las formas simétricas, en el mundo de la naturaleza, un ejemplo del orden geométrico sobre la formación de sus estructuras vivientes.

El tamaño de un elemento, en relación al resto, también presenta diferentes definiciones. Las formas grandes, anchas o altas, se perciben cómo, más fuertes, pero las más pequeñas, finas o cortas, simbolizan la debilidad y delicadeza.
Fuente: www.fotonostra.com 

El color un elemento expresivo

El color en su campo gráfico tiene varias aplicaciones clasficándose en: color denotativo y el color connotativo.

El color denotativo

El color es denotativo cuando se utiliza como representación de la figura u otro elemento, es decir, incorporado a las imágenes reales de la fotografía o la ilustración. Podemos distinguir tres categorías de color denotativo: Icónico, saturado y fantasioso, aunque siempre reconociendo la conicidad de la forma que se presenta. 

 

Color icónico: Definimos un color icónico a la expresividad cromática como función de aceleración identificadora: la tierra es marrón, la cereza es roja y el cielo es azul. El color es un elemento fundamental de la imagen realista ya que la forma incolora aporta poca información en el desciframiento inmediato de las imágenes. La adición de un color natural acentúa el efecto de la realidad, permitiendo que la identificación del objeto o figura representada sea más rápida. Por lo tanto, el color ejerce una función de realismo que se superpone a la forma de las cosas: una manzana será más real si se reproduce o plasma en su color natural.

Color saturado: Es un color alterado o manipulado en su estado natural y real. Más brillante, son colores más densos, puros y luminosos. El color saturado nace de conseguir una exageración de los colores y captar la atención con estos. El entorno resulta más atractivo alterando el color de esta forma, el cine, la fotografía, la ilustración, carteles, etc., obedecen a una representación gráfica cromática exagerada que crea euforia colorista.

Color fantasioso: La fantasía y manipulación nace como nueva forma expresiva, por ejemplo, las imágenes coloreadas a mano en las que no se altera su forma, pero si el color. De esta forma se crea un ambigüedad entre la imagen o fotografía representada y el color expresivo que se le aplica, creando así una fantasía, respetando las formas pero alterando el color natural.

El color connotativo

La connotación es la acción de factores no descriptivos, sino psicológicos, estéticos o simbólicos que hacen suscitar un cierto ambiente correspondiendo a amplias subjetividades. Es un elemento estético que afecta a las sutilezas perceptivas de la sensibilidad.

 

 

Color Simbólico: Apela a los acuerdos sociales que se les ha atribuido a los colores, por ejemplo el blanco es la paz, el negro el luto.

¿Que sería del diseño sin color?: Historia y teoria del color.

¿Que sería del diseño sin color?

Hay que entender que  es indispensable el color en todo diseño, ya que este, mediante la percepión muestra ciertos efectos psicológicos. El color es un elemento clave para atraer la atención del  ser humano y hacer que un diseño sea más o menos atractivo.

Historia del color 

El filósofo Aristóteles (384 - 322 AC) definió que todos los colores se conforman con la mezcla de cuatro colores y además otorgó un papel fundamental a la incidencia de luz y la sombra sobre los mismos. Estos colores que denominó como básicos eran los de tierra, el fuego, el agua y el cielo.

Siglos más tarde, Leonardo Da Vinci (1452-1519) definió al color como propio de la materia, adelantó un poquito más definiendo la siguiente escala de colores básicos: primero el blanco como el principal ya que permite recibir a todos los demás colores, después en su clasificación seguía amarillo para la tierra, verde para el agua, azul para el cielo, rojo para el fuego y negro para la oscuridad, ya que es el color que nos priva de todos los otros. Con la mezcla de estos colores obtenía todos los demás, aunque también observó que el verde también surgía de una mezcla.

Isaac Newton, la luz es color

Finalmente fue Isaac Newton (1642-1519) quien estableció un principio hasta hoy aceptado: la luz es color. En 1665 Newton descubrió que la luz del sol al pasar a través de un prisma, se dividía en varios colores conformando un espectro.

Lo que Newton consiguió fué la descomposición de la luz en los colores del espectro. Estos colores son básicamente el Azul violaceo, el Azul celeste, el Verde, el Amarillo, el Rojo anaranjado y el Rojo púrpura. Este fenómeno lo podemos contemplar con mucha frecuencia, cuando la luz se refracta en el borde de un cristal o de un plástico. También cuando llueve y hace sol, las gotas de agua de la lluvia realizan la misma operación que el prisma de Newton y descomponen la luz produciendo los colores del arco iris.

Así es como observa que la luz natural está formada por luces de seis colores, cuando incide sobre un elemento absorbe algunos de esos colores y refleja otros. Con esta observación dio lugar al siguiente principio: todos los cuerpos opacos al ser iluminados reflejan todos o parte de los componentes de la luz que reciben.

Por lo tanto cuando vemos una superficie roja, realmente estamos viendo una superficie de un material que contiene un pigmento el cual absorbe todas las ondas electromagnéticas que contiene la luz blanca con excepción de la roja, la cual al ser reflejada, es captada por el ojo humano y decodificada por el cerebro como el color denominado rojo.

Johan Goethe, reacción humana a los colores

Johann Göethe (1749-1832) estudió y probó las modificaciones fisiológicas y psicológicas que el ser humano sufre ante la exposición a los diferentes colores.

Para Göethe era muy importante comprender la reacción humana a los colores, y su investigación fue la piedra angular de la actual psicológica del color. Desarrolló un triángulo con tres colores primarios rojo, amarillo y azul. Tuvo en cuenta que este triángulo como un diagrama de la mente humana y relacionó a cada color con ciertas emociones.

Teoría del color. ¿Que es el color?

El mundo es de colores, donde hay luz hay color. La percepción de la forma, profundidad o claroscuro está estrechamente unida a la percepción de los colores.

El color es un atributo que percibimos de los objetos cuando hay luz. La luz es constituida por ondas electromagnéticas que se propagan a unos 300.000 kilómetros por segundo. Esto significa que nuestros ojos reaccionan a la incidencia de la energía y no a la materia en sí.

Las ondas forman según su longitud de onda, distintos tipos de luz, como infrarroja, visible, ultravioleta o blanca. Las ondas visibles son aquellas cuya longitud de onda está comprendida entre los 380 y 770 manómetros.

Los objetos devuelven la luz que no absorben, hacia su entorno. Nuestro campo visual interpreta estas radiaciones electromagnéticas que el entorno emite o refleja, como la palabra "COLOR".

Propiedades del color

Las definimos como el tono, saturación, brillo.

Tono (hue), matiz o croma es el atributo que diferencia el color y por la cual designamos los colores: verde, violeta y anaranjado.

Saturación:( saturación) es la intensidad cromática o pureza de un color. Valor ( value) es la claridad u oscuridad de un color, está determinado por la cantidad de luz que un color tiene. Valor y luminosidad expresan lo mismo.

Brillo ( brightness) es la cantidad de luz emitida por una fuente lumínica o reflejada por una superficie.

Luminosidad (li htness) es la cantidad de luz reflejada por una superficie en comparación, con la reflejada por una superficie blanca en iguales condiciones de iluminación.

El arco iris, segun los griegos

El arco iris tiene todos los colores del espectro solar. Los griegos personificaron este espectacular fenómeno luminoso en Iris, la mensajera de los dioses, que descendía entre los hombres agitando sus alas multicolores.

La ciencia que aplica la experiencia, explica que los colores son componentes de la luz blanca. (luz solar del día o luz artificial). La luz blanca no tiene color, pero los contiene todos. Lo demostró Isaac Newton.

 

Fuentes: 

http://www.fotonostra.com/grafico/teoriacolor.htm

http://www.digitalfotored.com/grafico/historiacolor.htm

Estilos y tendencias en el mundo del diseño

En todo proceso de diseño, el diseñador utiliza toda la información posible retenida en su memoria, para realizar su creación. Una serie de imágenes, signos y demas recursos comunicativos son asociados y entrelazados entre sí dando lugar al diseño.

Las tendencias, son una serie de grupos de un cierto estilo, estilísticos, que el diseño en si va adoptando. Se encuentran en contínua evolución y marcan el estilo de los diseños y futuras creaciones. Ahí, entra a formar parte el estilo como forma de actuar, dando el toque personal al proyecto en curso.

El minimalismo

 Definimos el minimalismo, como una tendencia surgida en Estados Unidos en la década de los cincuenta. El minimalismo es la sencillez en su máximo esplendor.

Este movimiento marcó intensamente a las bases de creatividad de arquitectos, pintores, escultores y demás diseñadores, incluso a algunos músicos del siglo XIX.

Esta tendencia se utiliza muy a menudo en el diseño, ya que reduce el ruido de los elementos innecesarios dejando lo importante y fundamental del diseño que se quiere representar.

Conceptualismo

El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp (principal artista) serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-mades. Daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.

El arte conceptual emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí.
Fuente: http://www.digitalfotored.com/